Saindo de lá, fui riscar da lista um dos objetivos da viagem: comprar um iPad. Finalmente! Bem, mas BEM, mais barato que no Brasil, onde você encontra no mercado paralelo por quase 3 mil! Paguei uns 550 dólares pelo de 32 giga. Mas surgiu um imprevisto: o meu Macbook é de 2007 e ainda usa o sistema operacional Tiger, velho demais pra entender o que é um iPad. Estou baixando um upgrade para Snow Leopard, mas estou com medo de instalar. O PC tá senil, meio gagá já… Já tem três anos e cacetada de uso relaxado e ininterrupto. Me sinto operando um paciente idoso com grandes chances de não aguentar o tranco. Ou não. Pode ser tudo uma paranóia da minha cabeça criada durante a espera interminável pelo download de 7 gigas da atualização… Tomara. Ainda falta uma hora.

Isao Sasaki

Ichiro Mizuki

Akira Kushida

Já recuperados – do show, mas não da gripe que pegou todo mundo desprevenido – chegamos à Porto Alegre agora pouco. O show começa logo mais. Ê tossinha que não passa… Se bem que já me livrei do pior, há uns três dias, quando fui parar no hospital com febre de 39 graus. Deu um frio na barriga de medo de não poder vir fazer os shows, mas engoli um coquetel de remédios que me fez melhorar do dia pra noite. Só sobrou essa tosse tranqueira. Brinquei que vou cantar só músicas do Kushida e do Yukio Yamagata, por combinarem com voz rouca!

Nos desejem sorte.

Bem vindo de volta, Miyauchi-san.

Semana que vem estaremos no Anime Friends.

Pois bem. Começo falando sobre a Oriental Cinema, revista americana, super underground, sobre filmes e séries (geralmente lado B) asiáticas, que bombou no meio dos anos 90 entre comunidades de fãs americanas. Conheci a revista na Gibiteca Henfil, devia ser 97, 98… Meu parceirão de fanatismo por heróis japoneses, Rodrigo Guerrino, foi quem me apresentou a O.C., vendida em São Paulo em algumas poucas bancas e livrarias obscuras que tinham um pé no submundo cultural. Se não me engano, o Rodrigo comprou a revista na livraria Muito Prazer, antigo oásis dos colecionadores de quadrinhos no centro da cidade.

A Oriental Cinema me chocou. Era diferente de tudo o que eu tinha visto até então. Tinha raça, espírito explorador, coisa que eu e meus amigos lá no final dos anos 90, num mundo analógico e desplugado, também tínhamos. A O.C. explorava cada canto, cada beco escuro da Ásia atrás de produções bizarras com monstros, super-heróis, guerreiros chineses voadores, mulheres peitudas feras em kung-fu, animações empoeiradas, naves espaciais, etc, etc…

Conseguir uma fita VHS com alguma raridade japonesa naquela época era uma puta alegria, na mesma proporção que era uma puta dificuldade. Tinha outro sabor. O mesmo sabor de garimpar informações em uns poucos livros disponíveis, sempre em japonês. Cada nova linha que alguém conseguia traduzir era motivo para comentários empolgados durante semanas. Nosso mundo ainda era tátil, não digital. Éramos guiados pelo interesse insuportável em descobrir mais camadas de informação, o que nos tornava arqueólogos nerds do próprio hobby. A Oriental Cinema também tinha essa fome de bola, e há bem mais tempo que a gente. Por isso foi tão espetacular encontrar a revista. Era como, sei lá, fazer contato com uma civilização mais avançada, uma tribo engajada há mais tempo e com mais meios de desbravar uma selva ainda fechada demais para nós nesse canto do planeta.

Não me lembro de nenhuma outra revista ou site que conseguiu juntar num mesmo espaço, por exemplo, Astro Boy, Gamera, pornografia indiana, Gyonsi (vampiros chineses), Takkaman, filmes com clones de Bruce Lee, Megaranger, Jackie Chan, Tekkon V. O limite eram as bordas (e algumas adjacências) da cultura pop asiática. Dentro dessas fronteiras, valia tudo. Inclusive matérias sobre as produções amadoras que o editor, Damon Foster (uma figuraça, falo mais dele daqui a pouco), rodava com os amigos.

O papel era pobre (melhorou nas edições pós-2000), a impressão em preto e branco (exceto a capa e uns posters terríveis de imagens porcamente escaneadas de revistas importadas) e a diagramação feia de doer. Trazia poucas fotos. As páginas eram tomadas por texto, muito texto. Colunas e colunas de informações preciosas que dificilmente daria para encontrar em outro lugar.

Algumas coisas que li por lá estão frescas na memória desde aquela época: uma resenha sensacional sobre o improvável Chinese Hercules, um dos primeiros filmes do Bolo Yeung; a versão coreana capenga do Spielvan, o Sparkman, do diretor Shim Hyung-rae, autor de várias sagas podreiras de fição/ fantasia (esse é um tema que rende outro texto enorme); Super Batman & Mazinger V (!!), outra esquisitice coreana; o enorme apanhado dos Giant Heroes japoneses, com comentários série a série, etc.

Descobri também lendo a O.C. a existência do seriado japonês Battle Hawk, num tempo em que se conseguir livros importados do Japão era bem mais complicado e caro. E como esquecer as edições do Sammo Hung e Jet Li, com longuíiiiisimos ensaios ultra-minuciosos sobre a filmografia dos dois?

A maioria das edições da Oriental Cinema era temática. A que trouxe o apanhado dos Giant Heroes, por exemplo, vinha com a chamada “The Giant Titans Issue”. Esse era o padrão: “The Samo Hung Issue”, “The Japanese Science Fiction Issue”, etc. Mas, apesar de dedicar maior espaço para o tema da vez, havia seções fixas viciantes. Eu checava primeiro a “Kaizo Ningen Update”, sobre tokusatsu e animes. A lógica da escolha das pautas parecia aleatória. Numa edição de 95, Ohranger e B-Fighter dividiam espaço com um guia de episódios do Astro Boy clássico, de 63. Vai entender.

Já na coluna Asian Oddities, criada como birra pessoal do editor para manter a revista à frente da concorrência, valia tudo. A tática era conseguir falar da maior quantidade possível de filmes obscuros da Ásia. Quanto menos conhecido e mais estranho, mais chances tinha de ser analisado pela revista. Cada edição surpreende de um jeito. De musicais bizarríssimos da Índia ao terror gore da Indonésia, a única certeza em meio a tanta coisa inusitada era a de que muito provavelmente as resenhas eram melhores que os filmes.

Não é só a escolha sensacional dos filmes e séries que faz da Orieltal Cinema uma revista foda. Os textos são demais. Ácidos, politicamente incorretos (ex: “Há uns 20 anos, filmes de exploração da imagem de Bruce Lee eram mais comuns do que triciclos estacionados na entrada do rancho de Michael Jackson” – O.C.#15), provocavam a concorrência e não toleravam leitor que falasse bobagem. Tudo ali refletia a mente pirada do editor Damon Foster, que escrevia a O.C. de cabo a rabo.

“Se você é do tipo de pessoa unidimensional típica, que vive exclusivamente para responder trivias sobre filmes, não continue lendo. Agora, se você for uma mente aberta, madura, que está sempre pronta para curtir uma história divertida ou perspicaz, arranque os sapatos e reviva a minha infância ao meu lado e todas as experiências que, indiretamente, levam a existência da revista não convencional que você tem em mãos!”

Damon Foster

Foster é um quarentão americano fascinado por monstros, demônios, heróis e kung-fu que resolveu criar um fanzine sobre o assunto nos anos 70, época em que publicações independentes feitas por fãs eram muito comuns. Ele foi um adolescente peculiar: rebelde e boca-suja, simpatizava com o movimento punk e vivia metido em inferninhos barulhentos, mas quando voltava para casa, seu maior prazer era assistir episódios de Ultraman e filmes de monstros. Essa sua nerdice descolada moldou seu estilo desbocado de escrever, o que foi determinante para o sucesso da Oriental Cinema. Foster escrevia as resenhas como se estivesse num bar, comentando com os amigos o último filme que viu na TV.

Como bom nerd desse segmento, ele também faz filmes amadores. Inspirado pelas estrelas de Hong Kong, estudou um pouco de artes marcias, o que lhe deu coragem o suficiente para bancar o durão em algumas de suas produções escrachadas, das quais também é roteirista e diretor. Os amigos bancam os assistentes e a edição era (talvez ainda seja) feita na base do botão pause do videocassete. As pérolas de Foster incluem uma comédia, Age of Demons, com, segundo a sinopse oficial, “artes marciais, punk rock, mulheres peitudas e a invasão de um império demoníaco”, uma redublagem de um filme coreano obscuríssimo de ficção científica, que ele rebatizou de Shaolin Vs Terminator (participação do Mestre Yoda), sua releitura de Matrix, Martyr X, com monstros de tokusatsu e enxertos de filmes orientais antigos, e por ai vai (no Youtube você encontra alguma coisa).

A última edição da Oriental Cinema de que tenho notícia é de 2006. O assunto da capa prova que mesmo depois de décadas Damon Foster não perdeu a mão: os 30 anos de Inframan! Conhece? É um filme chinês com pegada de Kamen Rider, em que (adivinha?) um super-herói – o Inframan – combate a tirana Elzebud, uma princesa demoníaca – ela estampa a capa da edição. O filme é animal. Tem raios, monstros de borracha, cenários bizarros e muita pancadaria. Faz tempo que não vejo (preciso achar o VHS velhão e passá-lo para DVD), mas lembro de uma cena, mais para o final, em que, por baixo, rola uns 10 minutos de kung-fu frenético non-stop entre os heróis e os soldados rasos da inimiga. Incrível. E que revista melhor do que a Oriental Cinema para resenhar um filme desses com a riqueza de detalhes que ele merece?

Edição especial Inframan 30 anos
Desanimado com a queda de vendas – que nunca foi grande coisa, lembrando que estamos falando de uma publicação de nicho – Foster teve que diminuir o ritmo da O.C.. Dá pra perceber que ele não é muito simpático a idéia das pessoas não pagarem mais por informação. Eu adoraria uma versão online da revista, num ritmo muito mais dinâmico e acessível para mais pessoas. Mas o cara nem blog tem. Pelo menos nunca achei.

E assim, mal adaptado aos novos tempos, um dos maiores arqueólogos do cinema oriental lança apenas uma edição nova da O.C. a cada três anos. É uma relíquia em extinção, tentando sobreviver em seus antigos moldes. E Foster continuará, obstinado como sempre foi, tentando marcar sua presença. Continuará tentando não deixar o sonho de outros tempos acabar.

Videocast

No O.C. The Webcast, gravado em 2009, Damon Foster conta um pouco da história da revista e lembra de algumas resenhas que escreveu para a O.C.. Tem umas palhaçadas estilo Jack Ass – como quando Foster é mordido repetidas vezes pelo seu lagarto de estimação -, mas o programa vale como registro histórico sobre a revista e como oportunidade de ver trechos de algumas produções asiáticas obscuras pra cacete, daquelas que você só encontra na Oriental Cinema.

Aqui.

É isso ai. o CD novo chega esse mês nas praças nipônicas. Enquanto isso,  terminei de fechar uma revista para as lojas do Fabrizio Giannone (vida de  jornalista…) e estou trabalhando numas ideias para o disco original do JAM, que sai em junho. Esse vai ser foda!

Well… Tenho umas news pra contar, mas vou esperar um pouco ainda. Amanhã quem sabe?

Até lá, publico aqui um texto que fiz sobre a vida do Woody Allen para a revista SAX. Não tem nada a ver com anime songs, nem Japão, mas gostaria que dessem umas gotas de sua atenção para esse cara – hoje um senhor franzino de 7o e poucos anos. Eis o porquê: Woody é um dos grandes pensadores da nossa época. Gênio fodástico. Enxerga as coisas de um jeito muito particular: pessimista que só, ateu e cheio de esquemas para driblar a falta de sentido do mundo. Suas comédias e dramas sempre tratam desses assuntos, de um jeito ou de outro. A maioria é sensacional.

Portanto, até eu aparecer com umas news legais do JAM, mais um cover e alguns papos furados, leiam e, quem sabe, virem fã do Woody assim como eu. Pessoas como ele fazem a nossa vida mais divertida.

Tá, chega de pagação de pau. Eis o texto:

————–

O que o Woody Allen tem na cabeça?

Ele é o “maior gênio da comédia”, apesar de detestar o título. Continua produzindo muito e periga vir fazer um filme no Brasil em 2011. Neste especial, SAX conta como a visão de mundo de Woody Allen pautou sua acidentada trajetória, que daria um filme. Talvez não de sua autoria.

Por Ricardo Cruz
 

Boris Yellnikoff, personagem de Larry David, está lavando as mãos.

“Parabéns pra você, nessa data querida, muitas felicidades, muitos anos de vida. Parabéns pra você, nessa data querida, muitas felicidades, muitos anos de vida”.

Melodie, interpretada por Evan Rachel Wood, chega e pergunta:

“É o seu aniversário?”

“Você não sabia que é preciso cantar duas vezes “Parabéns a você” para eliminar todos os germes?”

E ai de quem falar que isso é superstição. “É ciência! A ciência mostra que para você se livrar de todos os germes precisa lavar as mãos por um tempo que equivale ao de cantar “Parabéns pra você” duas vezes”, disse Woody Allen em entrevista sobre seu novo filme, Whatever Works (algo como Seja lá o que Funcionar), que estreia atrasadíssimo no Brasil em novembro com o título pateta de Tudo Pode Dar Certo <<NOTA: foi adiado de novo. Agora, só lá pro meio desse ano. Palhaçada! Sugestão? Baixem.>>.

Essa talvez seja a melhor cena do filme, o quadragésimo da carreira de Woody. Mas nem tudo é festa: a crítica detestou Whatever Works e sua bilheteria foi pífia. Pudera: quando uma greve de atores ameaçou estourar nos EUA ano passado, Woody se viu obrigado a adiantar a produção do filme em três meses, coisa que normalmente nunca faz. Sem nenhum roteiro novo, lhe restou cavucar suas gavetas em busca de algum rascunho. Em meio à papelada ele encontrou um texto que escrevera originalmente nos anos 70 para o comediante Zero Mostel – para o azar geral, Mostel morreu subitamente e o projeto terminou na geladeira.

Ano passado Woody estava entusiasmado por ter conseguido um financiamento para filmar em Nova York – algo que havia se tornado bastante raro nos últimos tempos . Seria o seu retorno à cidade que tanto ama depois de cinco anos. Sem tempo a perder, ele desempoeirou a história, trouxe o contexto para os dias de hoje e chamou Larry David, co-criador do seriado Seinfield, para viver o neurótico (novidade!) e pessimista Boris Yellnikoff, físico aposentado com um casamento fracassado e uma tentativa de suicídio nas costas. “A atuação do Larry é um samba de uma nota só”, resumiu a jornalista e colunista da SAX Lúcia Guimarães, que assistiu à premiére do filme ainda no primeiro semestre, em Nova York.

Mas quem disse que Woody liga para crítica? Aliás, ele não liga para nada. Faz o que tem vontade e diz que se envolver com um projeto por ano é apenas uma tática para se manter interessado em algo regularmente e não enlouquecer com a falta de sentido do mundo. Quando termina um filme, ele passa imediatamente para o seguinte e perde todo o interesse pelo anterior. “Jamais revejo um filme meu”, sempre diz.

Hiperbólico ou não, sua biografia demonstra o tom blasé de seu discurso. Quando foi acusado de pedofilia no início dos anos 90, Woody não só saiu ileso da principal acusação como se casou com aquela que provocou o bafão todo, Soon-Yi, 37 anos mais nova do que ele. Hoje, os dois têm filhos e vivem muito bem, obrigado. Se sua filosofia pessimista e pragmática fosse uma farsa, talvez ele não tivesse passado por tudo isso com o corpo tão fechado como fez.

Hoje Woody Allen está mais ativo do que nunca. Quer dizer, metódico como é, está exatamente tão ativo quanto antes, mantendo o ritmo quase religioso de um filme por ano. Se lhe faltam incentivos financeiros para trabalhar em Nova York, as portas estão cada vez mais abertas para ele na Europa. “Filmo em qualquer cidade onde encontrar financiamento”, alardeou certa vez. Foi escutado: no momento, está terminando de editar um novo filme em Londres e ano que vem começa a gravar outro em Paris. Já está quase tudo acertado também, veja só, para que ele venha contar uma de suas histórias aqui no Brasil em 2011.

“Rejeição em excesso dá câncer!”

Em 44 anos de trabalho duro, Woody Allen é o diretor que mais produziu longa-metragens na história do cinema. De 1982, quando lançou Sonhos Eróticos de Uma Noite de Verão, até hoje, fez pelo menos um filme por ano. Todos escritos e dirigidos por ele. Muitos com Woody também no elenco. Até o momento, são quarenta produções, das quais pelo menos dez são clássicos do cinema.

Mas apesar do currículo enorme, seus filmes nunca foram arrasa-quarteirões. Pelo contrário, a maior parte deu prejuízo ou empatou. Whatever Works, tomando o mais recente de exemplo, é um deles: teve um desempenho medíocre. Só alguns poucos foram realmente bem, como Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (título brasileiro detestável para Annie Hall. Com ele, Woody ganhou dois dos três Oscars que receberia até hoje: Melhor Filme e Roteiro Original), Manhattan, Hannah e Suas Irmãs (recebeu seu terceiro Oscar, de Roteiro Original), Ponto Final – seu melhor filme segundo o próprio – e o recente Vicky Cristina Barcelona (a maior bilheteria do diretor no Brasil).

No entanto, exceto nos primeiros anos de carreira, quando um Woody cheio de confiança fazia questão de acompanhar todas as críticas sobre si pelo puro prazer de desprezá-las, ele não se importa com o que pensam a seu respeito ou a respeito de sua obra. Nem para o público ele dá bola. Ateu convicto e crente de que a sorte é um elemento-chave na vida (ele fala disso em Ponto Final e Crimes e Pecados, quando, graças à sorte, os respectivos assassinos terminam não sendo pegos), Woody não vê muitos méritos em sua trajetória. Foi uma combinação de sorte, engano e supervalorização – a declaração é dele.

Falsa modéstia? Pode ser. Mas uma passeada por sua carreira ajuda a confirmar essa filosofia.

Desde cedo foi garoto-prodígio. Seus pais, um casal judeu pobre, o batizaram Allan Konigsberg. Allan viraria Woody Allen aos 16 anos, quando passou a faturar 40 dólares por semana escrevendo piadas e tiradas cômicas para um agente que as distribuía a seus clientes – humoristas de cabaré e TV. Entrou em duas faculdades, mas, sem nenhum interesse pela vida acadêmica, acabou expulso das duas.

A carreira como comediante cresceu e, aos 19, Woody já ganhava 1500 dólares por semana como redator do programa de variedades de Sid Caesar (por onde também passaram Mel Brooks, Carl Reiner e especialmente Danny Simon, de quem Woody declarou ter aprendido quase tudo). Seu próximo passo foi fazer shows de comédia stand-up. Em cima do palco transformou suas maiores fraquezas – nervosismo, neurose, descrença, etc – em matéria-prima para fazer os outros darem risada. Foi lá que ele começou a disparar suas piadas inteligentes estilo Bob Hope mescladas à dramaticidade estilizada de um cômico tratando assuntos sérios e profundos. Foi descoberto por um produtor e contratado para escrever e interpretar o filme O Que é Que Há, Gatinha? (1965), que se tornou a comédia mais assistida da época.

Woody jamais abriu mão de sempre dar a última palavra num trabalho seu (quem o bancava já estava careca de saber disso e topava a condição). Sua fidelidade absoluta às próprias ideias pode, como já foi, ser interpretada como rebeldia mas, nós sabemos, Woody gostar de fazer o que quer e como quer. Só assim é divertido para ele. Só assim acalma o seu nervosismo perante o “gigantesco nada” para onde, na sua cabeça, a humanidade caminha lentamente. Mas é realmente uma façanha alguém conseguir colocar na praça 40 filmes, a maioria feita em Nova York, e conquistar o tamanho de seu prestígio sem precisar prestar contas à Hollywood.

Só que alguém tem que pagar a conta. Logo no início da década de 70 Woody se ligou à United Artists, produtora fundada no começo do século por gente do calibre de Charles Chaplin com o objetivo de desafiar o poderio dos grandes estúdios. Arthur Krim, seu admirador e então presidente da empresa, bancava sem reclamar tudo o que ele quisesse fazer. Segundo histórias de corredores, a parceria funcionava assim: Woody se contentava só (só?) com um milhão de dólares no bolso por ano em troca de carta branca para tocar suas ideias sem que lhe torrassem a paciência.

Se Arthur obteu algum lucro com a produção de Woody, este certamente se dissolveu em rombos grotescos abertos por fracassos retumbantes, como Interiores, Memórias, A Outra, Setembro… Dramas em que ele brinca com a sua paixão pelo cinema C.D.F. sueco, especialmente o de Ingmar Bergman. Não foi apenas uma vez que Woody Allen foi chamado de “Bergman americano” – a definição foi inaugurada nas críticas de Vincent Canby para o New York Times. Mais tarde, Woody apontou Vincent como “um dos responsáveis por sua vida profissional”.

A confortável parceria com a United, que foi sucedida pela Orion Pictures, durou de Annie Hall (1971) até Crimes e Pecados (1989). Terminou quando Arthur Krim perdeu a empresa e morreu, em 1994. A essa altura Woody estava fora de forma: desolado, mais filosófico do que cômico e agora sem dinheiro. A boa vontade de seus admiradores parecia ter terminado. Em parte por culpa do triste escândalo sexual em que ele se envolveu no verão de 1992 com Mia Farrow e Soon-Yi (veja mais adiante).

Mas eis que um milionário chamado Jacqui Safra, então namorado de uma antiga amiga de Woody, Jean Doumanian, se torna seu novo mecenas. Para tanto, cria a produtora Sweetland Films que financiou, no total, oito películas do diretor. A primeira delas, Tiros na Broadway, trouxe sucesso para um Woody afastado já há oito anos do topo das bilheterias. O filme lhe rendeu inclusive uma indicação ao Oscar de Melhor Diretor, que ele não levou.

A receita azedou em 2001. Woody foi à justiça reclamando ter recebido menos dinheiro do que deveria por suas produções, incluindo Tiros na Broadway. O casal, no entanto, alegou exatamente o oposto: eram eles quem tinham de receber uma quantia de Woody. O fuzuê chegou aos tribunais de Manhattan e atingiu seu clímax quando Woody leu perante eles e o júri uma carta em que dizia querer continuar amigo de Jean apesar de estar exigindo dela uma indenização milionária. “No tribunal de dia, amigos à noite. O que deu em você? A gente falou desse exato roteiro tantas vezes!”, falava um trecho. A contenda terminou num acordo entre as partes, mas a longa amizade não resistiu.

Woody novamente ficava sem financiamento fixo. Mas nesse ponto todos já sabiam – e seus produtores de longa data Charles H. Joffe e Jack Rollings gostavam sempre de reafirmar – que trabalhar com Woody pode não garantir retorno financeiro, mas dá notoriedade. Isso bastava para mover gente endinheirada e disposta o suficiente para manter sua câmera gravando o que ele bem entendesse.

“As mulheres são o único vislumbre do paraíso que teremos na Terra”
Woody Allen não é exatamente o que se convém chamar de exemplo de beleza. E daí? Como é ele quem manda, não perdeu a chance de tirar o máximo de casquinhas possíveis de grandes beldades. Sua segunda esposa foi Louise Lasser, que aparece lá nos anos 70 em Um Assaltante Bem Trapalhão e Bananas (ironicamente, ela rejeita Woody numa cena). Se disse fisgado pelo bom humor de Diane Keaton durante a mesma década. Tiveram um caso, chegaram até a morar juntos, mas o romance durou menos do que as pessoas acharam. Em Annie Hall já estavam separados. Isso não impediu, claro, que Keaton fosse sua musa por muitos filmes seguidos.

Mia Farrow foi eleita a sua segunda grande musa. Há quem diga que foi o amor de sua vida. Os dois nunca casaram e nem chegaram a morar juntos, mas passaram doze anos juntos e Farrow participou de treze filmes do cineasta. No entanto, a história de amor terminou quando, em 92, ela encontrou no apartamento de Woody fotos de sua filha adotiva, a coreana Soon-Yi então com 18 anos, nua. Farrow engoliu seco no início e continuou com Woody. Mas ela ameaçou contar o que sabia quando percebeu que ele estava dando atenção demais a Dylan, sua filha caçula. Orientado por seu advogado, Woody foi à justiça antes pedindo a custódia de Dylan e Satchel, filho legítimo dos dois. Ele alegou que a atriz não tinha qualificações para ser mãe. A história rolou, expôs a intimidade de Woody e esgotou ambas as partes. O veredito: ele foi inocentado da acusação de ter abusado de Dylan, mas perdeu outros processos movidos por Farrow e acabou tendo que se afastar dela, de Satchel e de todo o resto da família. Sobrou Soon-Yi, com quem se casou e teve outros filhos. Woody expressou sua reação ao imbróglio no hilário, porém forte, Desconstruindo Harry, de 1997 (e inédito em DVD no Brasil).

Bem-casado, Woody sossegou o facho na vida real, mas continuou pinçando belas atrizes para interpretarem seus diálogos. Deu uns amassos em Mira Sorvino, a prostituda estúpida de A Poderosa Afrodite – ela ganhou um Oscar por este papel – , deixou uns roxos em Charlize Theron em O Escorpião de Jade… Até que a idade tirou a credibilidade de sua virilidade, fazendo de Woody, na frente das câmeras, mais um conselheiro sábio (ou louco, depende do ponto de vista) do que um amante em potencial.

Depois de velho, ele ainda encontrou uma nova musa: Scarlett Johansson. E foi na sorte: Woody tinha escalado Kate Winslet para o papel de Nola Rice, a protagonista que acaba morta no ótimo suspense Ponto Final, de 2005. Mas, durante a pré-produção, a atriz britânica desistiu do projeto alegando ter participado de muitos filmes sem parar e, por causa disso, estar se sentindo um tanto negligente com seus filhos. Woody ficou ressabiado de chamar Scarlett no início porque ela só tinha 19 anos na época e não era exatamente o perfil daquilo que ele escrevera no roteiro. Mas, sem tempo, ele arriscou e não só gostou do resultado como ficou fascinado pela loira de lábios carnudos e curvas generosas. Scoop – O Grande Furo e Vicky Cristina Barcelona também foram estrelados pela nova musa.

Ponto Final deu uma nova guinada na carreira de Woody Allen, que estava perdendo público nos EUA mas continuava requisitadíssimo na Europa. Quando conseguiu levantar dinheiro em Londres, adaptou um antigo rascunho em que brincava com a ideia de, nas palavras dele, “alguém que mata uma pessoa e depois mata o vizinho dela só para despistar a polícia”. O filme foi muito bem. Recuperou o dinheiro investido e a moral de Woody, que estava em cheque perante a indústria. Scoop, que veio na sequência, não é lá grande coisa mas uma marola que sobrara do enorme oba-oba em torno de Ponto Final foi suficiente para levar gente aos cinemas – o que não aconteceu tanto com seu filme seguinte, o terceiro em Londres, O Sonho de Cassandra.

Da Inglaterra Woody voou para Barcelona quando a cidade e o governo catalão lhe ofereceram dois milhões de Euros para filmar na cidade e mostrar pelo menos um ponto turístico. Acabaram escolhendo a simpática cidadezinha de Oviedo, onde Penélope Cruz, Javier Bardem e Scarlett Johansson protagonizaram um triângulo amoroso à la nouvelle vague bonito de se ver em Vicky Cristina Barcelona.

“Só filmo em Nova York porque sou preguiçoso”
Mesmo sendo um trabalho menor de Woody, Whatever Works marca o seu retorno a Nova York. Retorno não muito celebrado, é verdade. Muito por culpa da pressa com que o roteiro precisou ser preparado. Há quem diga que a sua fórmula tradicional, que estruturou seus melhores filmes dos anos 70, envelheceu: protagonista nova-iorquino típico, cheio de neuroses, que está na lama e encontra conforto numa paixão inusitada. Será que Woody perdeu a mão? Duvido muito. Ele sempre repetiu que funciona em seu próprio tempo. Quem sabe, desta vez, sendo tão pressionado por conta do prazo curto, tenha deixado de funcionar? Acontece.

Pois bem: a Europa está na dele. O futuro é promissor para a carreira de Woody Allen. Ele assinou contrato com a produtora espanhola Mediapro, que topou financiar seus três próximos filmes (a empresa co-produziu em 2006, com Brasil e Chile, o filme Proibido Proibir, com Caio Blat). O primeiro deles ainda não tem título divulgado, mas já está em pós-produção. Traz Antonio Banderas, Anthony Hopkins e Josh Brolin no elenco, e foi rodado em Londres.

No ano que vem ele aponta suas lentes para Paris. Lá, está de olho numa nova musa. Talvez a que possua as nuances mais apropriadas ao conjunto de sua obra: Carla Bruni. A vontade de escrever para ela surgiu numa visita que Woody fez a Sarkozy. Em junho, ele declarou publicamente que adoraria trabalhar com Bruni. “Tenho certeza de que ela seria maravilhosa”, falou a uma rádio francesa, “há diversas maneiras nas quais eu poderia usá-la, apesar de eu ainda não ter uma história para ela no momento”. Mais tarde, fez um convite formal à primeira dama. O jornal espanhol El Mundo disse que a cantora e ex-modelo italiana adorou a ideia e já está dentro, outras fontes afirmam que nada está confirmado.

Seja qual for o desenrolar do caso, em 2011 o cineasta pode vir ao Brasil lisonjear o Rio de Janeiro ou São Paulo (ou as duas cidades) com uma nova história. Por enquanto, não há nenhuma confirmação; nem de um possível título, nem de se o elenco será nacional ou estrangeiro. A informação mais fresca até o momento é que dois produtores de sua equipe desembarcam aqui no início de outubro para avaliar as condições de se trabalhar no Brasil. Eles ficam dois dias em São Paulo e cinco no Rio. Se não gostarem do que virem, Woody continua em seu apartamento na Quinta Avenida ou se manda para a Europa de vez. Mas não sejamos pessimistas: gente do meio de campo das negociações garantem que ele está entusiasmado em vir para cá. Correndo em paralelo, a produtora RioFilme estuda como financiar a película e já inclui o projeto em sua lista de produções até 2012.

“Em vez e viver nos corações e mentes das pessoas, prefiro viver no meu apartamento”
Woody não acredita em legado. Para ele a morte é o fim da linha e não faz a menor diferença se, depois disso, o seu nome batize uma rua, um teatro ou se futuras gerações sigam o seu trabalho. Ele vai muito além: fala que não se importaria que, depois que morresse, pegassem todos os seus filmes e negativos e os jogassem no lixo. “Em vez e viver nos corações e mentes das pessoas, prefiro viver no meu apartamento”, é uma uma de suas frases famosas que resume bem o pensamento.

“A essa altura, quem gosta do meu trabalho vai, assiste e passa por cima das minhas falhas. Quem não gosta só vê onde eu erro, porque sempre erro um pouco em tudo”, disse numa das entrevistas para Eric Lax que foram compiladas no ótimo livro Conversas com Woody Allen (editora Cosac Naify). Errando ou acertando, Woody está longe de cair na vala comum onde Hollywood tem desabado. Pode escorregar de vez em quando tentando, por exemplo, convencer a todos que é um dos melhores cineastas suecos nascidos nos EUA. Mas esse lado também compõe sua genialidade e sensibilidade em provocar sensações a respeito da vida ordinária semelhantes à de se admirar um quadro em tons pastéis com, quem sabe, Billie Holiday cantando “Easy to Love” de fundo.

Mas não o chame de gênio ou coisa parecida. Woody dá uma explicação mais suculenta e definitiva sobre como enxerga sua trajetória numa conversa que está no mesmo livro de Eric Lax. Tem a ver com mágica, tema que sempre adorou:

“Quando era criança, adorava mágica. Poderia ter sido mágico se não tivesse tomado um desvio. E, assim, usando toda a minha habilidade manual, dissimulação, meus sutis subterfúgios e talento cômico – isto é´, tudo o que aprendi debruçado nos meus livros de mágica quando era menino – , consegui produzir uma brilhante ilusão que já dura cinquenta anos e compreende uma porção de filmes”.

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A Toei Company é o maior estúdio de animação e seriados de super-heróis do Japão. Estivemos lá acompanhando um dia das filmagens de Gekiranger, do tradicional gênero dos super sentai, para entender melhor como funciona essa mítica fábrica de sonhos.

“Oizumi desu! Oizumi desu!”. A voz inconfundível da senhora (ou senhorita) que anuncia as estações de trem e metrô no Japão informava que acabávamos de chegar ao nosso destino. As oito da manhã, em pleno inverno japonês, chegar até Oizumi, saindo de Shibuya, parecia uma jornada interminável. Foram duas ou três trocas de linha, se não me engano, num percurso que levou uma sonolenta hora e meia. Pudera, só num lugar afastado da capital Tóquio, com menos prédios e mais espaço livre, é que poderiam estar as enormes instalações da Toei Company, a maior produtora de desenhos animados e seriados do Japão.

Lá, ficam os estúdios da Toei Filmes e da Toei Animation, dois braços de uma mesma e gigantesca empresa, que nasceu em 1953 e, ao longo dos anos, se firmou como uma das mais possantes máquinas de entretenimento do Japão. Em seu catálogo de produções animadas, constam alguns dos maiores êxitos da área, como Dragon Ball, Cavaleiros do Zodíaco, Sailor Moon, One Piece, Slum Dunk… Só para citar títulos que estouraram também no ocidente. Sua divisão internacional distribui uma quantidade ímpar de animes pelo mundo todo e, antes em parceria com a Saban Entertainment e agora com a Disney, toca há mais de uma década e meia a franquia dos Power Ranger. 

Em se tratando de super heróis, a produtora não perde pra ninguém: mantém no ar a família dos Kamen Riders há mais de quinze anos (entre muitos vai e vem) e há trinta e três a dos Super Sentai (os esquadrões coloridos). Produziu o Jaspion, a trilogia dos Policiais do Espaço e muitos, muitos outros justiceiros de todas as cores e tipos. Durante os anos de 1970, auge dos tokusatsu, a Toei chegou a produzir mais de dez séries por ano. Não é à toa que, dentro deste gênero, ela definiu tendências, inovou, acertou, errou e vem tocando até hoje um filão que já faz parte da cultura popular de praticamente todo o planeta (afinal, quem não sabe o que é Power Rangers? A idéia original é japonesa e foi a Toei que lançou o formato em 1975, com o Esquadrão Secreto Goranger).

Rumo ao QG dos monstro de borracha

Andamos uns dez minutos pela pacata região de Oizumi até nos depararmos com as duas grandes construções que abrigam a divisão de animação e live-action da Toei Company – uma fica de frente para a outra. Além de mim, convidei o amigo de longa data Renato Siqueira e, como guia, tivemos a ilustre ajuda de Hiroshi Watari, ator hoje quarentão que viveu muitos dos heróis que vi na minha infãncia. Ele foi o Boomerman no Jaspion, que, apesar de ser o seu personagem mais lembrado no Brasil, não é o principal da sua carreira. Antes disso, ele viveu o protagonista de Sharivan, o segundo Policial do Espaço (passou aqui na Record no começo dos anos 90) e de Spielvan, rebatizado no Brasil de Jaspion 2. Como dublê, Watari está na ativa desde o começo dos anos 80, quando veio com a cara e a coragem do estado de Niigata tentar a vida em Tóquio e realizar o seu sonho de trabalhar com ação. Ele é “o cara” dos tokusatsu.

“Nossa, faz pelo menos dez anos que não venho aqui”, lembrava ainda dentro de um dos trens que estavam nos levando até Oizumi. Pergunto se ele ainda lembra o caminho. “Mas é claro! Vim aqui rigorosamente todos os dias durante anos”. Watari entrou para o cast da Toei por ser dublê do JAC, o Japan Action Club, grupo responsável por coordenar e executar as cenas de ação desses programas desde o final dos anos 70. No começo e meio da década de 80, a produtora mudou o estilo de suas séries infantis, escalando dublês como protagonistas de alguns programas ao invés de atores/ modelos, que não sabiam lutar. “Antes, para ser um herói era só ter um rosto ajeitado e saber dar uns pulos aqui e uns chutes alí”, lembra. “Quando eu entrei para o JAC, em 81, a coisa estava mudando. Os protagonistas das séries passaram a ter que saber lutar também. O Jaspion, que faz tanto sucesso no Brasil, foi interpretado pelo Seiki Kurosaki, que originalmente também era dublê”. 

O nosso guia estava no lugar certo, na hora certa. Levou seu primeiro papel principal, em Sharivan, com apenas 19 anos e engatou vários outros trabalhos na sequência. “Era uma época muito divertida. Pena que hoje a coisa tenha voltado ao formato antigo de escolher atores através de agências de modelos e audições para rostos bonitinhos…”, reclama.

Chegamos. Na porta, uma pausa para tirar fotos e registrar o momento histórico de pisar no lugar onde tudo o que acompanhei quando moleque foi feito. “Isso aqui não muda…”, exclamava Watari enquanto entrávamos no complexo que abriga vários estúdios de gravação, um ao lado do outro, como se fosse uma mini cidade. Nosso objetivo ali era acompanhar um dia das filmagens de Gekiranger, o seriado da linha “super esquadrões coloridos” que ficou no ar até o começo deste ano. As filmagens começariam depois do almoço. Estávamos um pouco atrasados.

A idéia original era assistir uma gravação do núcleo dos heróis, mas naquele dia só estavam acontecendo as filmagens dentro da base inimiga, com os malvados da história. Entramos numas das casas, onde o set ainda estava sendo montado. Os vilões de Gekiranger são baseados em clãs imperiais chineses antigos. O cenário conta com uma escada que dá para uma parte elevada com um mesanino onde ficam dois monstros enormes -  os guarda-costas do líder do clã. Ao redor, diversos pilares vermelhos decorados com dragões sustentam o teto de um suposto palácio tradicional montado pela cenografia. Pelos cantos, dublês vestidos de soldados rasos se aquecem, pois logo mais eles atuarão numa cena em que o líder do bando, Rio, conversa com sua serva, Melle – uma ninfeta vestida numa fantasia que lembra um camaleão.

Enquanto um batalhão de staffs prepara o cenário, Watari nos leva para conhecer o diretor de câmera do seriado, Masao Inokuma. Figura lendária dos tokusatsu da Toei, ele faz esse tipo de programa desde 1972, quando rodou a série Ciborgue Kikaider. O próprio Watari foi dirigido por ele em todos os programas em que atuou. O clima é de amizade e reencontro. O intérprete de Boomerman foi logo avisando: “o sr. Inokuma foi a pessoa que deu vida a quase todas as produções que vocês gostam e que fizeram sucesso no Brasil. Ele é muito ocupado. Saibam que é bastante raro poder conversar assim, cara a cara, com ele”. Inokuma, modesto, rebate: “que bobagem, raro mesmo é encontrar brasileiros assistindo as filmagens de um programa infantil japonês!” – genial.

As origens

O embrião do que viria a se tornar a Toei Company nasceu em 1949 com o nome de Distribuidora de Filmes Tokyo. Em 1951, essa empresa se fundiu às produtoras Oizumi Filmes e Toyoko Filmes, dando origem a Toei Company. Nessa fase, a Toei contou com investimentos pesados principalmente da equipe vinda da Toyoko Filmes, cujo objetivo original era o desenvolvimento da região por onde passava a linha expressa de trem Toyoko (que liga TÓquio a YOKOhama). Para isso, eles administravam alguns cinemas nas regiões de Tóquio, Yokohama e Shibuya. Com o fim da Segunda Guerra, a Toyoko, que já possuía um estúdio próprio, arrendou um segundo de uma das grandes companhias cinematográficas da época, a Daiei, e passou, além de exibir, também a produzir filmes. 

Com a junção, em 51, os antigos membros da Toyoko Filmes queriam criar, através da recém-nascida Toei, o que eles chamaram na época de a “quarta linhagem”. Ou seja, a quarta grande potência do cinema japonês que, apesar de ter chegado relativamente tarde, poderia brigar de igual para igual com os três estúdios onipotentes da época: Toho, Daiei e Shochiku.

Na segunda metade dos anos 60, com a queda de popularidade do cinema e a ascenção da televisão, a Toei tentou ganhar público apostando em filmes erótico-grotescos (os ero-guro), que jamais poderiam ser mostrados na nova mídia. Dramas de época com bastante ação e samurais também eram a especialidade do estúdio, ao lado dos filmes de sobre a Yakuza, a máfia japonesa. No entanto, não teve jeito: a televisão enfraqueceu mesmo a frequência às salas e não dava mais para depender só delas. Assim, eles começaram a investir e produzir bastante para a TV Educativa Japonesa, mais tarde rebatizada de TV Asashi, com a qual já possuíam uma parceria desde 1959. Hoje, a Toei Company é a segunda maior acionista da TV Asahi, que é uma das maiores emissoras privadas do Japão. Essa parceria sempre garantiu ao estúdio terreno fértil para escoar suas produções na tela pequena.

Correndo por fora, a divisão de animação Toei Animation crescia bastante desde a sua fundação, em 1956, quando a Toei comprou o tradicionalíssimo estúdio de desenhos animados Nichido Eiga. Em 58, produziram o primeiro longa-metragem em animê colorido da história, A Lenda da Serpente Branca. Desde então, a produção nunca parou. De lá, saíram clássicos como Galaxy Express 999, Candy Candy, Mazinger Z e tantos outros. Nomes de respeito, como Hayao Miyazaki (Meu Vizinho Totoro, A Viagem de Chihiro) e Go Nagai (Mazinger Z) começaram na Toei Animation. A partir da década de 1970, a Toei Comapany e todas as suas adjacências formavam a maior potência de entretenimento no Japão… e nós estávamos lá agora.

Atenção… Gravando!

De volta ao estúdio dos inimigos de Gekiranger, a primeira cena está pronta para ser rodada. É uma sequência em que Melle se transforma em sua versão monstro. Depois de algumas horas esperando, a atriz novata Yuka Hirata, sempre com sua empresária a tira colo, limpando o seu suor e lhe dizendo o que fazer, se prepara para entrar diante da câmera. Yuka tem 25 anos e foi selecionada para ser a vilã da série numa audição em que não conseguiu o papel para ser uma das heroínas – sorte dela: ultimamente os vilões estão fazendo até mais sucesso do que os mocinhos.

Na frente de um fundo azul, que será substituído mais tarde digitalmente por algum cenário através da ténica de cromakey, Melle grava deitada várias cenas curtas, como se posasse para uma foto. Depois, sai de cena e na frente do mesmo fundo entra um dublê com a fantasia do monstro em que seu personagem se transforma nas horas de batalha. Pronto, a transfomação está feita. Mas tudo é muito lento, muito meticuloso e fora de ordem. Filma-se primeiro o que é mais prático. As cenas que ela acabou de gravar entrarão no clipe de abertura da série.

O outro vilão, o chefão, é vivido pelo ator Hirofumi Araki, mais um novato que não se encaixou no perfil de nenhum dos heróis na hora da triagem. Durante as filmagens ele parecia entediado. Tinha que esperar a sua vez de entrar em cena e nada ali fluía com rapidez. Me aproximo e pergunto se ele fica nervoso antes de filmar. “Sim, bastante. Eu sou novo na área, não tenho a prática dos veteranos. Ainda estou aprendendo muita coisa e não quero empacar as filmagens”, confessa. 

Hirofumi vive o personagem Rio (o erre aqui tem o mesmo som que na palavra “piRIquito”). Aproveito e lanço: “você sabia que Rio é o nome de uma famosa cidade brasileira?”. Ele: “sim, claro! É a cidade do samba, do carnaval, não é?”, responde curioso. Digo que sim e explico que os super sentai fizeram muito sucesso no Brasil até o meio dos anos 90, mas, infelizmente, hoje tudo chega na versão Power Rangers. “Sério? Já ouvi dizer que nos EUA eles alteram a versão original dos programas, mas não sabia que era essa a versão que vocês têm acesso”. Pois é, Rio… “É uma pena, seria bom se todos assistissem na íntegra o trabalho que estamos fazendo aqui”. Só pra constar: Gekiranger chegará ao Brasil como Power Rangers Jungle Fury, que estreou este ano nos EUA.

Bom, chega de papo. Está na hora dele atuar. Hirofumi fará uma cena com Yuka. Pelo que entendi, ele fala que vai acabar com os heróis e a garota o elogia com alguma frase piegas – básico. Tudo pronto. Texto decorado. Ensaio feito. Rodando! Um, dois, três, quatro takes. Cada um captado de uma maneira diferente. Num deles, a câmera desliza pela grua ao redor dos personagens. Pela lentidão com que a coisa é feita, é difícil imaginar como a produtora consiga entregar um capítulo inteiro todas as semanas. E nos anos 70, então, quando mais de uma dezena de seriados eram gravados sem parar? É, não estou mesmo acostumado.

De repente, Watari quebra a minha concentração avisando: “olha quem está aqui, a Magi Pink!”. Olhando para trás dou de cara com a atriz Ayumi Beppu, que em 2005 foi a integrante rosa do esquadrão Magiranger (base de Power Rangers Força Mística). Ela é lindíssima. Diferente de muitos novos atores que participam de programas infantis, Ayumi vem conseguindo seguir carreira na TV e no cinema depois que a série terminou. Ela estava na Toei fazendo uma audição para o filme Kamen Rider The Next. Não conseguiu passar. Semana que vem ela fará outra, para outra produção. “Ah que saudades de vocês!!”, gritava o tempo todo para a equipe e para os dublês, com quem desenvolveu uma amizade durante o ano em que foi a Magi Pink.

Ayumi é pequena, delicada, não parece ser capaz de fazer mal nem a uma mosca. Como ela conseguiu fazer as cenas de ação? Não resisto e pergunto. “Era bem puxado! Eu ficava exausta… Tinha algumas cenas que eu até pedia para passarem para outra pessoa fazer”, revela. “Se bem que, tendo essa equipe de ação maravilhosa nos dando suporte, tudo ficava mais fácil”, dando uma puxada de saco básica nos integrantes do JAC. 

Enquanto o papo rolava, as filmagens avançavam. Agora, é a vez dos soldados rasos do império se apresentarem. Todos, uns oito deles, terão que fazer uma coreografia de kung-fu. Em seguida, um deles se transformará no monstro do episódio. Quando a câmera começa a gravar, você entende porque o JAC é até hoje a equipe que cuida das sequências de ação dos live-actions da Toei. Eles são fantásticos e versáteis. Alguns ali fazem isso há décadas, desde a época que Watari salvava a Terra. “Se eu tentar fazer isso hoje, acho que quebro no meio”, brinca o ator assitindo ao ensaio dos ex-colegas. Realmente, os golpes e pulos em estilo chinês feitos ali não deixam nada a dever aquelas acrobacias mirabolantes dos filmes de Hong Kong. 

Gravando! Mais uma vez! Outra. Mais outra… Pronto. Agora é a vez de Rio mostrar um amuleto para câmera, em close. Toda a estrutura precisa ser mudada para isso. Yuka já está sentada no chão, parece exausta. E ainda a programação do dia está só na metade. 

Watari: como todo o filme e série, isso aqui é um quebra- cabeças que só será montado na hora da edição. 

Eu: verdade.

Watari: na época do Sharivan e do Spielvan, chegávamos as seis da manhã e geralmente só terminávamos de madrugada. Todos os dias. Pra piorar, nessa época eu dormia num alojamento terrível. Tinha só um futon no chão e nem trancar a porta eu conseguia! Acordava quebrado… 

Eu: caramba!

Watari: mas era divertido. Muito divertido. Foi a melhor época da minha vida. 

Corta!

Depois de mais de quatro horas ali observando tudo, resolvemos dar uma volta pelos outros estúdios. “Aqui do lado fica o cockpit do robô-gigante dos Gekiranger”, indicou alguém que fumava por ali. Demos uma olhada e, realmente, estavam lá as três estruturas gigantes em forma de caninos que identificam o local místico em que os heróis ficam para controlar seu robozão.

“Acho que as séries de hoje em dia perderam muito o charme”, comenta Watari, fã de histórias mais sérias e de efeitos especiais feitos a moda antiga. “Tudo hoje é resolvido com CG. Um pulo, um raio, uma transformação… Antigamente, fazíamos tudo ‘na raça’. Se era pra pular do penhasco, íamos lá e pulávamos, se era pra fugir de uma explosão, fugíamos. Eu sou dublê, né! Gosto de fazer essas coisas. Sinto que hoje a coisa está pasteurizada demais. Isso tira o charme das produções, faz parecer só mais uma entre um monte”.

Atualmente, a Toei Company produz duas séries principais todos os anos: os Super Sentai e os Kamen Riders. Os Riders são bem mais sérios que os esquadrões. Apesar do visual colorido, das armas e acessórios prontos para virarem brinquedos, o roteiro é focado em mistérios e temperado por drama e aventura. Há quem diga que os Riders de hoje são uma mistura de Arquivo X com Power Ragers. Talvez seja por aí mesmo. No entanto, na opinião de Watari, exibir as oito da manhã dos domingos uma série mais pesada como a dos Riders, que apela ao público infantil pelo visual e não pela história, não é uma boa jogada.  

“Hoje as séries dependem muito do merchandising. Já são criadas pra vender brinquedos. Ouvi dizer que os últimos Riders não vêm alcançando vendas tão boas, isso pode ser perigoso para a manutenção do gênero no ar”, especula. E, puxando a sardinha para o seu lado, lança: “eles bem que poderiam voltar com os Policiais do Espaço…”.

Já era noite e resolvemos ir para casa. As gravações continuavam, sem hora para terminar. “Obrigado por tudo, desculpe o incômodo”, Watari cumpre a etiqueta japonesa à risca e em troca, recebe um sorriso de um dos dublês vestido de monstro e um “apareça mais!”, de Inokuma. De lá, seguimos para a estação de trem. Deu preguiça de encarar de novo a longa jornada até Shibuya e decidimos comer um lámen por ali mesmo. “Eu pago”, se adiantou o nosso herói.

Depois de um dia inteiro acompanhando as gravações de uma série que faz parte de um gênero que eu particularmente gosto tanto, fiquei com uma sensação estranha. Olhar de perto a confecção daquilo que você cresceu assistindo e usando para escapulir da realidade, seja fingindo ser um monstro do espaço ou um guerreiro metálico, quebra um pouco a magia. Uma magia que ainda permanecia intacta em algum lugar.

“Eu acredito que antigamente as crianças sonhavam melhor com esses seriados”, comenta Watari, de boca cheia, outra vez defendendo a sua geração. Mas é verdade. Não sei se é porque eu fiz parte dessa geração e tendo a defendê-la – assim como o meu pai diz que no tempo dele as coisas eram melhores… De qualquer maneira, estando na Toei, você sente um pouco a responsabilidade dos profissionais encarregados em manter a máquina girando. De fazer com que a tradição continue se renovando a cada ano. E eles sabem melhor do que ninguém como fazer isso. Watari não nega: “a Toei tem um papel importante em relação as crianças japonesas. Ela lhes dá material para sonharem. Nós acabamos de sair de uma fábrica de sonhos!”, e completa, virando para o garçom, “a conta, por favor”.

A página do CD na Amazon é essa aqui.

E, claro, tem quinta temporada de Lost na Globo! Alguém acompanha? Viram que a emissora carioca fez uma cagada federal? No dia da estreia, exibiram um especial que era para resumir a quarta temporada e contextualizar as pessoas para a quinta. Mas, cabeçudos, eles fizeram um resumão da própria quinta temporada! Quem ainda não tinha visto, engoliu spoilers até engasgar. Inacreditável.

Pra quem quer acompanhar a série mas não está por dentro, linko aqui um vídeo-recap muito bom que explica tudo o que você precisa saber para assistir a última temporada – estreia dia 2 de fevereiro se o Obama não confirmar um pronunciamento na TV nesse mesmo dia. Lost é sensacional. É difícil aparecer coisa tão boa na TV, portanto, recomendo!

Ontem fechei a terceira edição da Mixmag – aquela revista de música eletrônica que estou fazendo. Chega ás bancas daqui uns 15 dias. Se trombarem com ela, dêem uma olhada. Tem a Daniela Mercury na capa, vejam só!

Que mais? Ah, esse ano o JAM completa dez anos de carreira. Vai rolar muita coisa legal. CD novo, etc. Lá pelo meio desse primeiro semestre as coisas devem começar a sair. A turnê de aniversário será grandona também.

Tudo em seu tempo.

Quero voltar com a ideia do podcast tbm. Não só pra falar sobre anime e animesong, mas sobre qualquer assunto que dê na telha. Cultura pop, a maioria. Quero chamar uns amigos para participar, alguém se candidata?

Antes que eu esqueça: DVDs da Focus. Jiraiya saiu com a imagem melhor que o primeiro mas ainda assim pior que a dos outros – muito escura. Pelo jeito, não vai ter recall do box um, o que é uma pena e desrespeito com quem comprou e não gostou. Os do Jaspion e Changeman ficaram jóia. Gostaram dos extras? Os designs feitos pelo Ryu Noguchi e Yutaka Izubuchi são raridades que não mereciam ficar escondidas. Quem cria monstros melhor que essa dupla? Principalmente o Izubuchi, o meu preferido. De National Kid eu acabei não participando. Comprei. Sei lá, só tem uma opção de áudio – a caixa promete duas – e os extras não estão com a dublagem antiga, portanto, não vou comentar muito…

Enfim, estamos na área outra vez. Esse ano promete ser bom. Vamos trabalhar pra isso!

Amanhã, depois de uma maratona de reuniões, arrumo as malas para ir para o Chile. De lá posto as novidades!

Por enquanto, vou assistir o primeiro episódio de Fast Forward, série americana que anda sendo aclamada como “o novo Lost”. Será? Difícil heim… Mas vamos ver qual é. ^^

Enfim, meio que decidi investigar melhor as TVs de plasma. Achava que elas eram piores, mas não. Há alguns anos até eram sim. Mas hoje duram tanto quanto as de LCD, que emitem mais luz, mas têm tempos de resposta geralmente maiores do que 5ms. Vou pesar os lados com calma mais uma vez e me decidir.

Amanhã começa mais uma semana cheia de grandes emoções.  Além da correria com a reforma da casa nova, vou gravar uma música nova. Ainda é segredo… Mas até o final da semana acho que já dá pra contar. Fora isso, vou para o Chile participar do Anime Festival com o Endoh e o Kitadani. Terça devo fazer um ensaio das músicas que cantaremos lá. Algumas eu não canto desde a turnê do JAM. Preciso dar uma redecorada nas letras… Essa é sempre a parte mais difícil. 

Ah, pelo jeito o pessoal gostou da música que gravei com o Wada. Quero divulgá-la bastante por aí. Logo mais postarei a versão completa e a letra. Espero fazer cada vez mais parcerias assim, cantando também em português. Ficou bacana a mistura dos dois idiomas, né?

Peguei hoje o segundo box do Jaspion na Focus. Gostei! Ufa… Depois do bafão com o Jiraiya, rolou uma desconfiaça de toda a segunda leva de DVDs. Mas Jaspion ficou com a mesma qualidade do primeiro box. Tá excelente. Faltou o especial para vídeo que saiu no Japão na época, com os atores principais comentando os melhores momentos da série. Mas não teve jeito: seria preciso fazer outro licenciamento. De extra, tem o final do guia de monstros e vilões, com as ilustrações originais do Ryu Noguchi.

Changeman e (tcha-tchan-tchan-tchan) Jiraiya também estão a caminho. Garantiram que a imagem será melhor – mas, até agora, não há planos de fazer recall do box 1 do Jiraiya.

Estou fazendo os extras dos DVDs de National Kid também. O projeto visual da caixa está muito arrojado – serão prateadas. Muito legal eles lançarem a série completa de uma vez por todas. O problema é conseguir imagens decentes… Material do mascarado é escasso até na Toei, que não mandou coisa nenhuma até agora. Mas ainda temos algum tempo, vamos nos virando…

Essa capa aí embaixo é um dos motivos que me afastaram daqui no último mês. Estou editando a Mixmag e a SAX Magazine, duas revistas bem legais (e diferentes), mas que dão uma trabalheira e exigem muito tempo. Fora isso, estou me preparando para um show com o Masaaki Endoh e o Hiroshi Kitadani que farei no Chile, dia 10 e 11.

O segundo semestre será agitado musicalmente. Vou fazer uma pancada de shows por aí. Até pro Equador eu vou! Legal, né? Conhecer lugares através de convites para cantar anime songs é talvez o que mais me deixa contente nessa vidinha de meu deus.

Pra agravar as coisas até dezembro, estou de mudança, tocando uma reforminha que de “inha” não tem nada. É ridiculamente pequena, mas está demorando uma eternidade. Fora que me chamam toda hora pra olhar detalhes – o que está certo – mas cansa. Tem vezes que chego lá na obra para ver o parafuso do espelho da tomada…

Não estou reclamando não. Tá tudo bom. Se fosse pra reclamar, diria que o dia podia ter umas horinhas a mais e o Red Bull podia custar mais barato…

Uma dica de leitura!

Grátis – Futuro dos Preços, do Chris Anderson, editor da revista Wired e especialista em internet. Ele fala sobre como o modelo de negócios ao redor da internet está caminhando para uma era em que tudo, ou quase, será de graça – e quem sacar isso, ganhará muito dinheiro.

Parece um paradoxo, mas não é. O Google, Youtube, Wikipedia, softwares livres são alguns exemplos. A rede wi-fi de graça em cafés e restaurantes – como ele cita no livro (apesar de no Brasil a maioria dessas redes serem pagas) – também.

A cultura do Grátis começou no usuário – eu, você – que baixava música no Napster. Hoje, mais de dez anos depois, quem é esperto saca que combater quem baixa é bobagem. Lutar contra o que é de graça é briga perdida. Saber usar isso a favor não só é mais produtivo como bem mais coerente com uma mudança enorme de padrão pela qual o mundo está passando.

Enfim, o assunto é atualíssimo e muito interessante.

Clica aqui para ler o primeiro capítulo de graça – aliás, Chris Anderson foi coerente com sua linha de raciocínio: colocou o livro todo grátis na internet, em inglês, claro. No Brasil ainda não tem essa mamata. Mas nada que em alguns meses não apareça por aí – ah, achei e baixei no 4shared o livro anterior do Chris, Cauda Longa, que também vale muito a pena.

Estou algemado no fechamento da primeira edição da MixMag, já falei né?, revista de música eletrônica inglesa que vai abrir no Brasil. Lá pelo dia 15 do mês que vem ela já deve aparecer nas bancas. Sei que não deve ser muito do interesse de quem frequênta aqui, mas, vai!, dá aquela força! Uma folheada pelo menos. Puts-puts-puts-puts!

No meio dessa correria, estou arrumando tempo para fazer os extras que vão entrar no segundo DVD Box dos Changeman. Tenho que entregar depois de amanhã. Como incluir material em video não é lá muito fácil, por conta de direitos autorais, custos elevados e burocracia além da conta por parte da Toei, resolvi fazer um guia dos monstros espaciais e alienígenas que aparecem na série.

Em cada disco vai entrar um pouco. As imagens usadas para ilustrar são os desenhos originais feitos pelo character design da série, o Yutaka Izubuchi, de quem sou devoto. Muito bonita a arte dele. A maioria das ilustrações eu tirei de livros antigos aqui. Foi um trabalho de garimpo puxado, mas ter isso divulgado e registrado para sempre paga o preço (no Box do Jaspion entrou também – lá, os desenhos são do Ryu Noguchi).

Na sequência, faço algo parecido em Jiraiya. Mas é uma pena: no caso do Jiraiya não tenho todas as imagens dos personagens. E bota pena nisso já que o designer é o Keita Amemiya, diretor de Zeiram, Mikazuki, Garo, etc, e criador de monstros em Jiban, Kamen Rider Black RX, Jetman, Spielvan… Filé! Well… Vou colocar o que tenho, fazer o quê?

A música e a letra são do Kageyama. Eu cantei um pedaço da minha parte imitando a voz do Akira Kushida, fazendo uma homenagem para um dos caras que me fizeram gostar de anime songs. Tem gente que acha que o próprio Kushida é que está dando uma palhinha com o JAM. Se bem que não seria má ideia!

Cantamos a The Guardian pela primeira vez no show do Budokan, em junho. A ideia era transformar o video da apresentação no clipe oficial da música. Em breve, ele deve aparecer por aí também.

Semana passada dei uma entrevista pro amigo Alexandre Nagado, que esteve comigo no Sana deste ano. Ele fez workshops de desenho e ministrou algumas palestras por lá. Quem quiser dar uma lida, o bate-papo está no blog dele. Clica lá.

“Eu lembro de tudo o que você passou.
Cada luta sua é uma parte do que sou.
Jamais irei desistir, eu sei, foi você quem me ensinou.

Na Na Na Na…
Canto bem alto, do meu coração
Aquela velha canção

Dentro da minha imaginação um herói tinha que ser…”

Vamos direto ao que interessa:

Cruz: Por que as imagens de Jiraiya estão ruins, com logo do canal Toei Channel e exatamente com a mesma qualidade dos DVDs piratas que rodam por ai?
Afonso: A nossa fonte de imagem veio do Japão. Chegamos a mandar um e-mail para eles questionando a qualidade de imagem de Changeman e, principalmente, do Jiraiya. Mas nos disseram que o motivo é os seriados serem antigos.

Mas a imagem está exatamanete como no material pirata.
Vou checar mais uma vez com a Centauro, o estúdio que mixou o DVD, mas eu garanto que só enviei os áudios para eles, alguns extraidos desses DVDs mesmo, já que nem a pessoa com quem assinamos contrato dos direitos da dublagem possuía mais esses áudios. Agora, em relação á imagem, as pessoas que autoraram o DVD só tiveram acesso ás fitas DV-Cam que a Toei Company mandou. O que está na tela é o que veio do Japão. Mas vou conversar com a Centauro e pressionar mais uma vez as pessoas para me certificar de que não houve mesmo nenhum erro.

E-mail resposta mandado pela Toei, depois de questionados pela Focus sobre a baixa qualidade das imagens de Changeman e Jiraiya:

Dear Milly,

Hope you are well in order.
I answer your question.

I arranged the images of Jiraiya, Changeman and Jaspion by same way.
So these are high quality as much as possible.
Please consider that these titles are old.

Thanks and best regards,

∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞
TOEI COMPANY, LTD.
IKKO KAWAMURA

∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞∞

Milly Kiung さんは書きました:
Dear Toei Team,
I was asked by our Products Mgr., Afonso Fucci, to let you know that the images that we received for
the 2 above mentioned programs were not of very good quality. The first one we received for JASPION
were very good.
Thank you.
Best regards,
Milly

Semana que vem vou até lá. Devo ter mais alguns detalhes e a resposta do estúdio de autoração que o Afonso vai pressionar. Bom, essa história é igual a morte do Michael Jackson: vamos tentar descobrir o que aconteceu, claro, mas, seja como for, o cara não vai ressuscitar e a Focus não vai relançar o Box 1 com imagem melhor (só, e talvez, se estourar de vender – opinião minha).
Para as segundas partes, que estão sendo produzidas, estou separando bastante material para colocar de extra. Os character design que ficaram de fora de Changeman e Jiraiya entram na parte dois. Estou cavucando mais coisas interessantes para incluir também. Vou comentando aqui a medida que for definindo.

Já deu até uma saudade daquele dia!

Olha lá: http://madeinjapan.uol.com.br/2009/07/01/rock-para-japones-ouvir/

Eu vou atrás dessa história. Como fã de tokusatsu e principal pessoa engajada em trazer isso do jeito certo em DVD pro Brasil não fiquei nada, mas nada, feliz com a notícia de que a Focus teria comprado material pirata e usado isso como fonte. É decepcionante e ultrajante. E nonsense também, porque eu vi as fitas digitais, em Beta Cam, que a Toei mandou. Estavam lá, na mesa. Se quisessem usar só o áudio dos piratas não teria tanto problema. Como já disse aqui, várias séries antigas, Perdidos no Espaço incluso, foram lançadas com dublagem original graças aos fãs que tinham os áudios garimpados. E como a Focus assinou contrato e pagou pelos direitos da dublagem, pouco importa se ela vem das fitas masters da época, das VHS ou do DVD pirata.

Agora, imagem da TV japonesa? Fala sério! Semana que vem vou conversar com eles para tirar a história a limpo. Tomara exista um motivo bem plausível para terem feito isso. Eu realmente não quero acreitar que foi a lei do mínimo esforço. Mas, pô: as datas de lançamento ficaram coladas uma na bunda da outra. Nunca concordei com isso. Mais: disse que essa pressa toda poderia ser um tiro no pé. Porque sai Jaspion, semanas depois vem Changeman e, passado mais um tempinho, Jiraiya. Qual o sentido disso? Sem tempo, não dá pra fazer um marketing individual competente pra cada lançamento e não dá tempo de tocar a produção dos produtos do jeito certo – ninguém imagina a correria que foi fazer as legendas de Jaspion e Changeman, Jiraiya nem fiz e os extras que estava preparando ficaram de fora também, devem entrar na segundas partes.

Depois os DVDs vendem mal e a imagem que fica é a de que “tokusatsu não dá certo no Brasil”. Vira efeito contrário e intimida todas as empresas a lançarem mais títulos aqui. Espero estar muito errado. Mas sem qualidade, não tem negócio. Gera reação em cadeia e quem sai perdendo são as séries e quem gosta delas.

Podem ficar frios que estou nessa até o fim.

Aprendi a gostar de música por causa desse cara ai. Meu interesse por ritmo, batida novas, melodias vieram das horas e horas que passava ouvindo suas músicas e tentando copiar seus passos de dança. Se hoje canto por ai devo muito a essa influência que tive quando era menor.

O mundo perdeu mesmo um gênio real da música. O cara que construiu os alicerces pra tudo o que veio depois e que estava tentando recomeçar – tinha certeza de que ele conseguiria.

Uma pena que a carreira dele tenha acabado desse jeito tão bizarro e triste. Mas, na boa, tá pra nascer alguém que mande tão bem quanto Michael Jackson. Vai fazer falta…